diario di bordo 5° e 6° giorno

MATILDA

10 novembre, 5° giorno – analisi del film

 

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18 novembre, 6° giorno – secondo incontro con la regista 

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In questo secondo incontro la regista parla ai ragazzi della differenza che c’è tra il cinema della realtà e quello di finzione, spiega le caratteristiche dei due diversi generi per poi affrontare e analizzare insieme alla classe il film MATILDA

 

Domande poste dagli alunni sul film:

Enrico: Matilda è un bel film per la storia, per quel blocco che si viene a creare nella vita della protagonista.

Antonietta: E’ una storia che gioca sui luoghi comuni perché Napoli è per antonomasia la città della superstizione. Una commedia sofisticata che si appoggia al genere giallo, ma dietro il cattivo della situazione c’è sempre lo squilibrio di un sentimento.

Giulia: la musica nel film è continuamente chiamata in causa per fare da contraltare ai sentimenti e ai diversi momenti che si succedono. In qualche caso sembra che crei degli artifici.

Antonietta: Il cinema è fatto di simboli, è finzione, vive di emozioni, cose che sembrano vere e invece sono abilmente costruite.

Sara: c’è qualcosa nel suo film che ricorda Trouffaut, come abbiamo letto nelle recensioni?

Antonietta: più di Hitchcock, direi, autore di gialli sofisticati ed eleganti, dove la tecnica identificabile è particolare. Riusciva a fare le riprese in modo che lo spettatore fosse sempre in anticipo rispetto alla scena. Ma ritorniamo alla musica. A Piersanti si è chiesta una musica sottilmente ironica che ricordasse il giallo. Il tono del film è importante: si può fare commedia anche con un giallo ma fondamentale è il pennello che si usa, quali tonalità si vuole prendere da pittore. E questo si ottiene anche con la fotografia. La luce, ragazzi, come vi è parsa?

Camilla: in alcune scene dominavano alcuni colori che tendevano a ripetersi, in altre erano spente, ingrigite come la vita intristita che conduceva Torquato; in altre ancora sembravano usare colori freddi per accompagnare la depressione della protagonista.

Antonietta: ma l’idea era quella di mostrare una Napoli molto colorata, borghese, colta, assai diversa dagli stereotipi più diffusi. Vero è però che, come dicevate, si nota luminosità in alcuni momenti e un po’ di penombra in altri.

Giulia: nel film ci sono un po’ di dettagli che mi hanno colpita perché secondo me si voleva che lo spettatore li notasse: il bicchiere che si frantuma, il dettaglio dei titoli molto forti di giornale, che riportavano l’opinione sciocca e crudele della gente, l’acquario a casa di Torquato, i particolari su cui si indugia per la preparazione di Matilda all’incontro al buio.

Antonietta: Mi fa piacere che si notino i dettagli. Il bicchiere, per esempio, rappresenta un momento di rottura. E dovete pensare che ciascuno dei registi ha un’attitudine. Le inquadrature, per esempio, si dividono in dettagli e totali. Io, come avete notato da voi, sono particolarmente attenta ai dettagli, che mi dicono molte più cose; sono invece distratta rispetto ad un totale, di cui era amante invece un grande regista come Antonioni. Ciascun regista racconta in maniera personale e la medesima storia può essere narrata in modo differente.

Luca: Matilda ha anche qualche guizzo comico: per esempio, mi viene in mente la caduta di Torquato in mezzo al basilico, che si troverà in borsa e il cui profumo si porterà dietro.

Antonietta: la comicità nasce quasi sempre da una situazione di comodità. Sono comunque momenti che stemperano la tensione.

Sabina: nel finale poi si nota la messa in campo di fraintendimenti come il duplice mazzo di fiori dopo l’incidente che vuole far supporre la morte di entrambi.

Antonietta: perché la mia intenzione nei confronti dello spettatore è sempre quella di deviare, di tenerlo attento; è fondamentale creare questo tipo di curiosità e poi, in tutta sincerità, nella parte conclusiva che hai ricordato, c’è proprio il regista che vuole giocare.

Camilla: un altro momento fraintendibile è quando si sente nel corridoio dell’ospedale cadere Torquato tutto ingessato e qui siamo portati a pensare che la sfortuna continui a perseguitarlo, anche dopo aver svelato il tutto.

Antonietta: Giustissimo! Come vedete, ci piace giocare con gli spettatori in modo leggero: “Non è vero ma ci credo”. Semplicemente la trazione si era rotta, si ironizza ma non in modo cattivo. Vorrei indugiare con voi sulla poetica dell’opera: cosa si vuole trasmettere veramente. Qui è un sentimento: non arrendersi, non soccombere rispetto alle avversità della vita, come avete sottolineato anche voi nelle vostre riflessioni a caldo, immediatamente dopo la visione.

Giulia: nel film ci ho visto anche il messaggio che ci può essere una relazione possibile tra ricchi e poveri, tra persone altolocate e non, però unite, in questo caso, dalla cultura che li accomunava.

Antonietta: era voluto: Matilda doveva essere il prototipo della donna ricca e sfortunata e Torquato dell’uomo assai modesto ma che aveva dalla sua la cultura, che era il terreno comune su cui nascerà l’affinità. Per me è stato così: io sono nata in un quartiere e là sarei rimasta ma nel momento in cui mi spostavo in contesti diversi, trovavo che riscontrare elementi che uniscono è bello, mischiarsi è bello, stare in ascolto degli altri, visitare luoghi e persone diverse è altrettanto bello. Non perdete mai la curiosità e la capacità di ascolto e di scelta.!

Carlo Alberto: gli ambienti e le atmosfere sono particolari, non puoi non notarli.

Antonietta: Gli ambienti rappresentano il carattere, non sono neutri. Noi rassomigliamo agli ambienti che abitiamo: sarebbe interessante a questo proposito parlare dei pesci, per esempio, che assorbono l’ambiente in cui vivono. L’ambiente è determinante anche rispetto alla formazione di noi come persone.

Giulia: qualche volta notavo che ciò che mancava terribilmente a Matilda: un fidanzato, una famiglia, lei nei momenti di depressione e disperazione, lo vedeva poi ovunque passeggiasse: riprese lente di un bambino nel passeggino, di due amanti che si baciavano.

Antonietta: lì c’è un artificio tecnico. La lentezza di quelle riprese sottolinea, nello sguardo dello spettatore, uno stato d’animo depresso. La velocità innesca il meccanismo opposto.

Camilla: tendiamo a vedere più spesso ciò che è legato ad un sentimento forte, anche ciò che non ci piace affatto, oltre a ciò che ci piace prepotentemente.

Antonietta: Vero.

La classe 3°C

 

Analisi dell’inquadratura per la realizzazione di un ritratto

Antonietta: l’inquadratura borda il fotogramma, la composizione di un’immagine. Attenzione agli elementi fondamentali che sono lo sguardo, il viso. Possiamo anche scegliere come sistemare il soggetto in posa: se deve essere piatto o a ¾. Bisogna valutare la luce, da quale parte scattare, considerando anche lo sfondo naturalmente. Il punto di vista è importante, può essere anche rivoluzionario, un dolly, più alto, più basso, usando lo zoom. L’inquadratura è come un quadro: vive di pesi e di misure. Anche la non centralità del primo piano restituisce un’immagine composta, è una scelta di campo precisa.

Tutti i ragazzi iniziano a cimentarsi con il loro i-pad, con l’aiuto della regista,  sulle diverse inquadrature, cercando di fare un ritratto di un loro compagno di classe.

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Questo secondo incontro termina con la proposta da parte della regista ai ragazzi di iniziare a comporre un ritratto della classe, lasciando a loro la scelta della chiave di lettura e il percorso da seguire.

Buon lavoro!

Continua …

diario di bordo – 4° giorno

MATILDA

3 novembre – 4° giorno, proiezione del film 

 

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Scheda film > Matilda

 

I commenti degli alunni dopo la proiezione del film:

Mattia: E’ un film pieno di attesa, di suspance. La trama gialla con molto spirito non lo fa mai sfociare nella tragicità, lo rende invece divertente.

Luca: quello che mi sento di dire è che l’ho trovato un film che scorre dinamico, pieno di colpi di scena.

Giorgia: Mi è piaciuto per i fraintendimenti che la regia crea per non far capire subito allo spettatore: per esempio la trovata dei due mazzi di fiori o dei quadri rubati, che non sono quello che sembrano.

Tommaso: Non me lo aspettavo così: il regista mi ha fatto apparire simpatico un uomo come Torquato.

Camilla: Però c’era quest’alone di tristezza nella sua vita……Ho tentato di immedesimarmi nella sua vita quotidiana di bibliotecario single, pittore a tempo perso ma mi intristiva troppo….

Federica: Mi ha colpito che lui non fosse riuscito a costruirsi una famiglia alla sua età. Sembra un sempliciotto, un ingenuo, ma ispira tanta tenerezza.

Francesca: Ho notato una caratterizzazione forte dei personaggi: Matilda tira fuori la femminilità dopo la disgrazia, tenta ogni volta una rinascita. E’ determinata anche quando ruba per il bene di Torquato, un gesto di amore profondo, secondo me.

Sara: Si dà grande importanza a mettere in luce l’espressività dei protagonisti grazie alla scelta delle inquadrature: i dettagli e i particolari sono frequenti, come i primi piani (così le emozioni e i sentimenti sono chiari in volto). Ricordo: i libri, la ciotola di vetro, gli occhiali scuri, particolari del mobilio della casa, il rossetto, le calze, l’acquario, il regalo.

Giulia: Mi ha colpito la frase che Matilda era “una persona preziosa ma pericolosa”, riproduceva il giudizio cattivo della gente. C’è sempre questo ritorno del destino che incombe, rientra sempre in campo la scaramanzia.

Camilla: Mi ha stupito come la scaramanzia possa influenzare così la vita e le idee della gente. La scaramanzia è frutto di ignoranza ma le persone che girano intorno ai protagonisti sono di un certo ceto sociale, quindi non me lo spiego….

Martina: Mi è piaciuto il percorso per dimostrare che Matilda non era come dicevano gli altri.

Giorgia: Io trovo Matilda molto appariscente. Però è una forza, non si arrende, continua a cercare ostinatamente l’uomo della sua vita perché teme la solitudine; mentre soffre, guarda con dolore a chi si ama, a chi ha già una famiglia, mentre lei è sola.

Federica: Non lo so, non sono d’accordo con l’atteggiamento di Matilda che insegue così tanto il matrimonio, cerca così tanto un fidanzato. Non mi piace che lei si affidi così poco a quello che verrà.

Francesca: Anche la solitudine hanno in comune.

Samuel: Loro prendevano la solitudine in due modi diversi, secondo me, perché provocata da condizioni diverse: lei dagli omicidi che l’avevano lasciata così, sola; lui l’aveva scelta, non prendeva la solitudine con tristezza.

Federica: Mi ha colpito la frase: “L’ho temuta e l’unica paura che ho ora è di perderla”.

Martina: A proposito di perdite, il cane rappresenta per Torquato la famiglia e quando lo perde come compagno di vita, si deprime.

Sabina: A me è rimasta impressa questa figura sinistra del fratello che faceva finta di incoraggiare, invece era un tipo losco.

Marco: Il senso del giallo è trasmesso proprio dal fratello.

Leo: Mi piaceva il fratello perché, uccidendo, movimentava il film.

Martina: Era più solo di un uomo solo, si attaccava morbosamente alla famiglia.

Camilla: Nel suo piccolo, anche la domestica di Torquato è una figura importante.

Samuel: Anche nella casa di Torquato la domestica dava un tocco di colore.

Francesca: I colori sembrano scelti per accentuare la solitudine: da Torquato la casa è tutta grigia, scura; nella casa di Matilda c’è invece tanto bianco, quasi a creare un senso di vuoto. Solo quando si prepara si vedono colori come il rosso e alcuni altri negli abiti che rispecchiano altre emozioni.

Luca: Anche quando c’è luce, però è sempre livida, mai abbastanza luminosa.

Francesca: Come se fosse sempre nuvoloso.

Mihai: I colori sembrano sfocare l’ambiente certe volte.

Mattia: Sono un po’ ingrigiti, come se fossero scoloriti.

Carlo Alberto: Io ho distinto tre periodi di luci e ombre: oscurità nella prima fase dei delitti; atmosfera luminosa e vivida durante la frequentazione di Torquato e Matilda ; si illividisce di nuovo quando si lasciano i due amanti.

Luca: Sono stati molto d’aiuto nel film angolazioni e luci. Sembra talvolta un’atmosfera surreale, poi ritorna reale.

Sara: C’è stata una parte in cui avevano usato la tecnica di far scorrere velocemente lo spazio nel tempo: hanno condensato tutta la conoscenza dei due protagonisti in breve tempo (lo spazio nel tempo per mettere insieme una grande parte di racconto in un frammento).

Giorgia: I quadri di Torquato sembravano vuoti, a macchie, impiastri di colori e di pennellate.

Federica: Così uno lo può interpretare e vederci quello che vuole immaginare.

Sara: Sì, la colonna sonora accompagna sempre sia le scene felici che di tensione. E da qualche parte compaiono sempre musicisti.

Mihai: Il sottofondo musicale per me è bello per l’accostamento che ha fatto tra sentimenti e ambiente.

Mattia: Mi ricordo la frase nel film: “Ogni cosa nasce, cresce e muore”.

Francesca: E comunque, il pensiero dell’illuminismo non era contro la superstizione?

Classe 3C

 

Continua …

 

 

diario di bordo – 3° giorno

ANGELO NOVI fotografo di scena

28 ottobre, 3° giorno –   primo incontro con Antonietta De Lillo

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Antonietta De Lillo incontra i ragazzi della 3C e inizia l’incontro parlando del cinema, come questo possa essere arte collettiva. Antonietta fa notare che nel cinema è necessario aggiungere ai 5 sensi noti altri 2 analogamente importanti: l’immaginazione e l’istinto. Non si insegnano ma riescono ad essere a volte più sinceri della vista empirica; il cinema rende visibile ciò che è dentro ciascuno di noi. A seguire, si approfondiscono alcuni generi che gli alunni amano di più (fantasy, horror, gialli), da qui scaturisce una riflessione sul dualismo tra bene e male e ci si sofferma sulla figura dell’eroe e sul “senso di essere eroi”Infine la lezione si sofferma sull’analisi del video-ritratto e del film ANGELO NOVI fotografo di scena.

 

Domande poste dagli alunni alla regista:

Mattia: lei, da fotografa, crede di essere stata influenzata da Novi ed è stato importante conoscerlo anche per la sua carriera registica?

Antonietta: Io allora non lo conoscevo ma sposo in pieno la sua filosofia: l’istinto va adoperato nel cinema come nella vita. C’è però una procedura tecnica che vuole la scelta dell’inquadratura, ossia studiare i margini del fotogramma, quindi compongo l’immagine e via con gli scatti che farò.

 Camilla: si sente più turista o viaggiatore?

Antonietta: in realtà mi sento ambedue perché entrambi sono utili. Nel caso del turista si ha un punto di vista che può essere molto interessante, serve per creare conoscenza con l’altro. Il viaggio di lavoro è un altro modo di viaggiare, altrimenti deve scaturire da una motivazione, da un interesse e il viaggiatore diventa colui che si deve equipaggiare.

Camilla: in ciascuno dei suoi lavori come capisce che quelli sono gli scatti che le piacciono?

Antonietta: questa è proprio la domanda delle domande. La scelta è la cosa più complicata perché è la più semplice. Nel vostro caso, per esempio, nell’età che state vivendo, gli adulti devono solo sostenere nello sviluppo della scelta che, di per sé, non deve appesantire, per cui le aspettative vanno ridimensionate. Negli scatti per un film bisogna fidarsi che la propria idea dello scatto più bello per te corrisponda anche alla visione che ne avranno gli altri. La vita è tutta un ping pong tra esterno e interno. Bisogna avere fiducia nella capacità di avere un proprio gusto. Il mondo intorno deve instradare verso l’attenzione, il riconoscimento del bello, più che dirvi ciò che è giusto o sbagliato. L’estetica e la nostra capacità di scelta ci viene dalla nostra cultura, dall’habitat che ci accoglie.

Sabina: come nasce l’dea del film?

Antonietta: gli input possono essere diversi, i più inaspettati. Un film si fa o perché te lo propongono, o perché nasce da te o per una pura coincidenza, come nel caso del film di oggi “Angelo Novi”. Anche il ritratto necessita di una miriade di accorgimenti tecnici, al contrario di quello che si potrebbe presumere. Io scrivo la sceneggiatura dopo che ho girato. Questa affermazione, noto, lascia un po’ di stucco gli alunni che forse risentono dello studio recente, ma con un imprinting tradizionale, dei vari step della lavorazione del film.

Martina: i suoi genitori hanno approvato la sua scelta di vita o l’hanno osteggiata? Quelli di Angelo Novi non ne erano affatto entusiasti.

Antonietta: io sono stata molto fortunata perché ho avuto dei genitori semplici ma molto speciali. C’era molto rispetto reciproco, anche se il legame era molto stretto. Io ritengo di aver avuto coscienza dei miei confini assai presto e tuttavia, l’ultima cosa che volevano è che mi occupassi di arte. Lì per lì, quando realizzarono, pensarono di avere una figlia pazza, con un po’ di ironia. Non mi hanno però mai ostacolato ma neanche favorito. E vi dirò che anche gli ostacoli sono necessari, vanno superati, in questo caso per carpire quanto è grande la passione che si ha dentro. E ‘ giusto essere ostacolati, si impara a scegliere. 

Carlo Alberto: ha mai pensato, anche per un istante, di cambiare lavoro da quando fa la regista?

Antonietta: non l’ho mai pensato perché gli ostacoli enormi che ho avuto durante il percorso mi hanno dato il vantaggio di combattere ancora.

Giulia: da cosa ha tratto l’ispirazione per realizzare il video-ritratto?

Antonietta: visto che non volevo sortire qualcosa di noioso e di insopportabile a vedersi, ho pensato a cosa mi avrebbe fatto piacere sentire, realizzando questo genere di film. A me comunque piaceva tanto sentire le storie degli altri, in treno per esempio. Ho tratto dal mio vissuto l’emozione del video-ritratto e l’ho riportata in un genere. Ho tratto ispirazione dai racconti di una persona non istruita, ma dall’intelligenza finissima: Carmela Mezzanotte, che dialogava con i morti.

Sara: Angelo Novi dice di aver trovato la perfezione in uno dei registi e in uno degli attori con cui aveva lavorato. A lei è mai capitato di riscontrare in qualcuno la stessa cosa?

Antonietta: io ho avuto un cast eccellente nel film “Il resto di niente”. L’attore è come una macchina. Il cinema è stomaco e tecnica: ci sono attori che governano la materia tecnicamente e non intuitivamente. Bisogna, secondo me, invece, che ci sia la tecnica e anche che la prestazione attoriale abbia un momento di salto nel buio.

Giorgia: le è mai capitato di inserire in un suo film qualcosa capitato a lei, le sue emozioni, un pezzetto della sua vita?

Antonietta: il mio essere c’è sempre. L’iter, nel cinema di finzione, generalmente è questo: prima nasce dentro di me il sentimento che voglio raccontare, poi i personaggi a cui attribuisco il carattere per permettere loro di prendere le distanze e così loro si allontanano. Nel cinema della realtà è diverso ma io realizzo spesso innesti tra diversi generi.

Giorgia: sono bravi i bambini a recitare?

Antonietta: i bambini sono “mostri”: mostri si nasce, bambini si diventa. La mia esperienza mi porta a dirvi che quando, per il film che vedrete “Non è giusto” (film di finzione girato come se fosse un documentario), li ho cercati nelle agenzie pubblicitarie, li ho trovati finti, inespressivi; allora li ho cercati lungamente a scuola tra le persone non consapevoli. Trovarli è stata un’operazione complicata: più di 800 bambini; mi servivano bravi, ma soprattutto divertenti. Scelta lunga e oculata perché i due elementi fondamentali del film sono: una sceneggiatura forte e gli attori. Se si sbaglia in questo il film non si sostiene. 

 

Collegamenti interdisciplinari  tra il film e le materie scolastiche
-in Arte, i ragazzi hanno cominciato a lavorare sul ritratto per passare in un secondo momento al ritratto fotografico e affrontare più nello specifico qualche ritrattista.

-In Storia stanno affrontando i ritratti storici di grandi personaggi che hanno incarnato il Risorgimento italiano (Mazzini, Cavour e Garibaldi) mediante libri di testo, ricerche e monografie dedicate, anche televisive di spessore.

-In Inglese il collegamento verterà, in virtù del riferimento al grande cinema, su Hollywood e vedranno piccoli stralci in lingua inglese dei film citati da Novi.

-In Francese il collegamento interdisciplinare verterà sulla tematica del viaggio, in particolare su un cortometraggio che si vorrebbe realizzare con il gruppo classe. L’insegnante presenterà il copione e lavorerà , inizialmente, sulla pronuncia. Poi, insieme ai ragazzi, sceglierà a chi affidare le parti.

-In Musica il collegamento con l’Oscar della musica per il cinema Ennio Morricone è immediato come interessante è lo studio di un jazzista prestato al cinema, Gato Barbieri dell’Ultimo tango a Parigi. Approfondiranno poi più specificatamente il contrasto tra ciò che avviene sulla scena e il commento musicale allo scopo di “epicizzare” l’episodio a cui lo spettatore assiste (nel cinema di Pasolini).

-In Scienze, non a casa, stanno procedendo con lo studio dell’occhio, il fenomeno della visione, l’elaborazione da parte del cervello delle immagini in base ai ricordi e hanno per altro iniziato il laboratorio sulle illusioni ottiche e le false prospettive.

-In Italianosiamo passati dallo studio di Foscolo con le “illusioni” dei grandi ideali di bellezza, amore, libertà, eroismo, indispensabili per dare un senso alla vita, alla poetica leopardiana tra pessimismo e illusioni, anche qui perfettamente in tema tanto che i ragazzi stessi hanno comparato l’attesa della gioia, rinvenibile nel “Sabato del villaggio” all’affermazione di Angelo Novi che “la foto, quella vera, è nel prima”. 

-In Educazione fisica l’attenzione sarò sulla capacità di cogliere l’attimo prima che le cose accadano, capacità che indubbiamente nello sport di squadra può fare la differenza tra vincere e perdere.

-In Religione il tema centrale sarà: i viaggiatori senza scarpe. Collegamento biblico. Il vangelo attribuisco a Gesù sempre verbi di movimento. (Gesù passava-veniva-tornava-camminava), il maestro è un tipo che viaggia. Si muove per tutta la Palestina da nord a sud. Il suo viaggiare non è da turista. Non viaggia per visitare. Egli viaggia per incontrare. Il viaggio è un incontro che ci mette a nudo. Nel viaggio poi c’è posto per tutti: ricchi, poveri, mendicanti, funzionari, vedove, sposi etc.

Continua …

diario di bordo – 1° e 2° giorno

ANGELO NOVI fotografo di scena

13 ottobre – 1° giorno, proiezione del film 

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Scheda film > Angelo Novi fotografo di scena

 

20 ottobre – 2° giorno, commenti degli alunni

Alla domanda “Che cos’è un video-ritratto?”, gli alunni rispondono così:     

Una specie di intervista libera  – Qualcosa di naturale – Un’intervista non strutturata – Pensieri e immagini in libertà – Uno sguardo dentro – Un racconto dei ricordi – Una cosa strana – Il recupero di tutto il materiale del lavoro di quest’uomo – Un viaggio nella memoria – Sembra un diario con tanti ricordi – Una specie di ritratto autobiografico – Una video-intervista – Non lo so ma un po’ mi piace.                                                        

 

 

 

I commenti degli alunni dopo la proiezione del film:

Leo: Io veramente non lo so perché mi è piaciuto, pensavo di annoiarmi. E’ bello quando il fotografo dice che il lavoro per lui è divertente. Io vedo che i grandi non si divertono a lavorare, sarebbe bello invece.

Sara: mi ha colpito l’espressività dei suoi occhi quando quello che diceva gli stava particolarmente a cuore e poi ripeteva che voleva la spontaneità nella foto. Sono d’accordo. Così ci viene un mondo dentro la foto.

Federica: anche io penso, come lui, che l’uso del bianco e nero è più bello perché è più emozionale, ognuno può leggerci i colori che vuole e usare l’immaginazione per colorare. E’ brutto leggere le cose tutti allo stesso modo.

Tommy: professoressa, io ho scritto: L’abbiamo fermata quell’emozione”. Mi piace questo.

Francesca: con una foto si riesce a fermare un’emozione per sempre. Ed è emozionante sentir parlare del lavoro come passione e che lui ne ha fatto il suo stile di vita. Io invece mi sono fermata a pensare quando ha parlato della sua famiglia contraria alla sua scelta per il futuro. Anche con i miei questo è quel momento in cui non ci troviamo d’accordo su quello che vorrei fare io.

Giorgia: a me piaceva tanto che, mentre Angelo Novi parlava, si vedevano le foto che scorrevano lente e in sottofondo si sentiva il sonoro delle scene del film.

Giulia: io sentivo che non era molto un film, era come se lui ci parlasse uno ad uno, era tutto così naturale il contesto, si è sentito pure il miagolio di un gatto.

Luca: anche per me che mi distraggo un po’, un po’ tanto, è strano che io sia stato catturato lo stesso, anche se non era proprio un film, ma per come era strutturato e perché il personaggio si accompagnava lento nella descrizione, ci faceva entrare nel film, che non è un film però. Mi sono impicciato.

Sabina (alunna non vedente): a me sono rimaste impresse due frasi: 1) Ci sono solo due modi di vivere: come vuoi vivere veramente e come ti obbligano a vivere gli altri. 2) Lavorare nel cinema è come lavorare nel convento: dalla mattina alla sera.

Mattia: sì, avete visto come, con un pennellino, modificava le foto come se fosse un restauratore.

Sara: per me un concetto forte era lo spazio nel tempo: in due giorni si condensa anche il racconto di tutta una vita.

Mihai: e si ferma un’emozione per non perderla più. Io non ci avevo mai pensato così.

Giulia: diceva che la foto, quella vera, è nel prima, come l’attesa della gioia, che è più bella della gioia stessa, come diceva Leopardi.

Martina: sì, l’importanza data alla foto come immaginazione di ciò che succederà dopo.

Carlo Alberto: anche a me ha colpito il fatto di voler cogliere nelle foto le emozioni e poi anche il fascino del bianco e nero per non descrivere tutto subito ma far lavorare l’immaginazione.

Enrico: a me i ritratti, in particolare, piacciono molto di più non a colori perché escono fuori molti più aspetti.

Giulia: Angelo Novi insisteva tanto sulla differenza tra la foto statica che è piatta e la naturalezza della foto non di posa. Ma è sempre di scena? Mi ha colpito anche quando ha detto che ha fatto sia film belli che brutti e non era pentito.

Mattia: tanta caparbietà per arrivare alla soddisfazione finale.

Francesca: anche se spesso gli attori, ha detto, si comportavano come bambini capricciosi quando non si girava.

Camilla: sì, la metafora del viaggio per parlare della sua vita, quella differenza tra turista e viaggiatore. Il turista viaggia e torna a casa dove ha messo le sue radici; il viaggiatore non mette radici.

Sara: il film nel film, altre foto per dire altre cose del film, un altro contesto. Sembra qualcosa di misterioso.

Luca: invece, quell’attore americano De Niro, che il fotografo diceva che era bravissimo, che lui era perfetto. Bello quando qualcuno dice che il tuo lavoro è perfetto.

Classe 3C

 

Continua …

 

Evento speciale Pitch – Visioni Incontra

 

 

6 ottobre 2016, Milano, Visioni dal Mondo

L’idea di film partecipato nasce da due mie esigenze molto personali:

  •   La prima è il desiderio di raccontare l’Italia attraverso una pluralità di sguardi che proprio nella loro casualità e frammentarietà potessero restituirci un racconto quanto più equilibrato e veritiero dell’Italia oggi.
  • Il secondo motivo è di uscire da un isolamento tipico dell’autore, in più, per quello che mi riguarda, accentrato da alcune mie vicende private. Quindi il poter condividere il film e l’esperienza con altri registi, più giovani e non, mi è sembrata una nuova avventura da percorrere.

Alla fine del primo progetto Il Pranzo di Natale prendeva sempre più forma la particolarità di questo modo di stare insieme che era data dal fatto che i registi partecipanti potevano realizzare mini docufilm e film documentari sul tema lanciato e che, uniti da un progetto comune, potevano contare su tutta l’attenzione da parte mia nell’essere il primo spettatore e nell’affiancarli in un percorso artistico, lì dove era richiesto. La particolarità quindi di questo progetto è che tutela l’individualità e l’autonomia degli autori che partecipano, pur creando una rete artistica e produttiva che può rafforzare i singoli contributi. Non a caso il secondo film partecipato Oggi insieme domani anche è realizzato con il contributo di 30 documentari. Molti di questi hanno avuto una vita autonoma, partecipando a festival e circuitando nella rete, purtroppo ancora piccola, di sale che programmano documentario. Dopo un percorso durato 3-4 anni si procede alla realizzazione del film partecipato, curato da me, che quindi non un film a episodi; non è un film collettivo, ma un film di remix di materiale eterogeneo generato e raccolto durante il progetto e realizzato da un solo regista. Un film che da un punto di vista artistico, che è quello che mi riguarda, ha vinto la sua scommessa, non tanto per aver partecipato a festival, avuto riconoscimenti e presto lo vedremo in televisione, ma perchè il film partecipato ha sviluppato un modo di stare insieme ciascuno con il proprio ruolo ma uniti da un progetto comune creando delle relazioni tra le persone che hanno partecipato che vanno aldilà del progetto, in uno scambio di informazioni, idee e opinioni anche su altri lavori. Per quello che mi riguarda il film partecipato  è un modello abbastanza “spinto” di fare cinema che non solo cambia le sue relazioni interne ma crea proprio il linguaggio, sostituendo o riequilibrando l’ IO con il NOI.

Antonietta De Lillo

 

ASPETTI PRODUTTIVI DEL FILM PARTECIPATO

Parlando degli aspetti produttivi del progetto, come potete immaginare trovandoci a percorrere una strada completamente nuova, fino ad oggi la nostra attenzione e i nostri sforzi si sono concentrati sulla messa a punto del format creativo e sulla verifica della sua fattibilità e della sua validità artistica.

Oggi con il terzo progetto L’UOMO E LA BESTIA la sfida è trovare a questo prodotto il giusto posizionamento produttivo e distributivo.

Crediamo che il punto di forza del progetto sia nel fatto di avere una genesi molto lunga che si compone di una pluralità azioni, molte delle quali formative, che possono trovare quindi finanziamenti pubblici e privati dedicati alla formazione, sia a livello nazionale che nelle realtà locali in cui di volta in volta lavoreremo. Queste attività, insieme alle rassegne, ai convegni, alle mostre generate dal progetto, stimolano la realizzazione di opere di documentario da parte degli autori partecipanti, opere che possono avere vita commerciale autonoma. I partner che si legano al progetto dall’inizio possono quindi beneficiare di una visibilità continuativa per tutta la sua durata e in tutte le singole azioni che vengono attivate in giro per l’Italia e in collaborazione con enti, festival, testare giornalistiche, luoghi dedicati alla cultura come è stato ad esempio finora con la Casa del Cinema di Roma. Entrare nel progetto dall’inizio, anche attraverso un pre-acquisto, significa avere un osservatorio privilegiato sui nuovi autori e sulle opere da loro realizzate, eventualmente avendo la possibilità di entrare a far parte anche dei singoli progetti.

La sostenibilità produttiva del film partecipato sta quindi nella sua modularità, nel suo essere composto di tante diverse azioni e nel suo equilibrio tra vocazione culturale e formativa e produzione commerciale.

E per quanto riguarda il film partecipato vero e proprio, prodotto finale del progetto, si comporta produttivamente come un film documentario tradizionale, che è sotto la responsabilità di un unico autore e ha le caratteristiche per riferirsi anche alle tradizionali fonti di finanziamento cinematografico (sostegni pubblici e privati, sponsor, prevendite televisive) avendo però dalla sua un budget contenuto anche grazie all’assenza quasi totale della fase di riprese, sostituita dai contributi dagli autori partecipanti e da immagini reperite attraverso altre fonti.

 

 

Un grazie lungo 30 anni

 

Nel 1986 realizzavo insieme a Giorgio Magliulo Una casa in bilico, il nostro primo film sull’amicizia e le relazioni nella terza età. La scelta era stata sicuramente atipica per noi  giovani esordienti e il Nastro d’Argento speciale che fu assegnato al film fu il più grande incoraggiamento a proseguire e farci strada nel mondo del cinema.

Oggi, a distanza di trent’anni, ricevo il Premio speciale ai Nastri d’Argento in occasione di un film, OGGI INSIEME DOMANI ANCHE film partecipato, realizzato invece insieme e per i giovani. Un percorso speciale che ha vissuto del sostegno e della collaborazione delle tante persone che hanno creduto nelle sue potenzialità e che insieme a noi hanno reso possibile la realizzazione di un’opera collettiva ma anche capace di valorizzare le singole opere degli autori che hanno partecipato.

Ho voluto ricordare insieme questi due Nastri e questi due momenti della mia carriera perché sento di averli ricevuti con lo stesso entusiasmo, con la stessa emozione di quando si riceve un bacio per la prima volta.

Vorrei quindi ringraziare di cuore tutti coloro che in questo pezzo di vita mi sono stati vicini e il Sindacato Critici Cinematografici che in trent’anni ha sempre mostrato attenzione e interesse per il mio lavoro e il mio percorso artistico, senza mai perdermi di vista.

Grazie!

Antonietta De Lillo

 

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Venezia Giornate degli Autori

Antonietta De Lillo il 3 settembre a DIREZIONE DONNA

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Direzione Donna. L’autorialità al femminile tra talento e pari opportunità
Intervento di Antonietta De Lillo

Prima di tutto ringrazio le Giornate degli Autori che ci ospitano e i 100 autori e doc.it che mi hanno invitata qui oggi. Per quelli che non mi conoscono mi chiamo Antonietta De Lillo, sono una regista e un’imprenditrice e quest’anno ho ricevuto un riconoscimento dai Nastri d’Argento per aver ideato e realizzato con la società da me fondata, marechiarofilm, il film partecipato. Non mi dilungherò qui a spiegare che cos’è se non che è una forma produttiva che potremmo definire “sostenibile” perché aiuta i registi partecipanti a realizzare le proprie opere offrendo supporto in diverse forme e in cambio chiede di donare alcune loro immagini per realizzare un film di remix che racconta l’Italia attraverso la chiave di un tema comune: nel primo film partecipato era il pranzo di Natale, nel secondo l’amore e nel terzo su cui stiamo lavorando in questo momento il rapporto tra l’uomo e la bestia. L’obiettivo è quello di far uscire gli autori da una condizione di isolamento creativo aprendo un dialogo con registi e professionisti diversi per età, provenienza e formazione insieme ai quali raccontare l’Italia di oggi in un progetto collettivo ma capace di tutelare l’individualità di ciascun partecipante.

Per quanto riguarda la creatività al femminile, mi è spesso capitato nel corso dei trent’anni della mia carriera che mi venisse chiesto cosa volesse dire fare cinema “al femminile”. Sono certa che nei miei film insieme a tanti altri elementi personali si senta anche il mio sguardo femminile. Sarei però curiosa di sapere se a Paolo Sorrentino, la cui poetica è di sicuro anche frutto del suo sguardo maschile, qualcuno ha mai posto questa domanda e spererei che le mie colleghe più giovani nel futuro non debbano più ricevere domande simili. Lo dico perché è l’esistenza stessa di domande come queste a denunciare la presenza di un problema, una distinzione che diventa quasi un cliché tra il mondo femminile e quello maschile e che viene riportata spesso all’interno della narrazione stessa del cinema. Una cosa molto interessante che ho letto, e che forse saprete, è che esiste un test per misurare il grado di “femminilità” di un film. Si chiama BECHDEL TEST dal nome della fumettista americana che lo inventò un po’ per gioco nel 1984 ma che oggi è diventato strumento ufficiale ad esempio di Eurimages. Il test si basa su tre parametri a prima vista quasi banali: 1) nel film devono esserci almeno due donne; 2) le due donne devono parlare tra loro; 3) l’argomento non devono essere gli uomini. Semplice. Eppure su uno studio di 4.000 film il 37% non passa il test. Dopo averlo letto ho provato ad applicare il test ai miei film e in particolare al mio film storico Il Resto di Niente tratto dal romanzo omonimo di Enzo Striano. Il film risponde perfettamente ai criteri del test ma non è mio il merito, è di Enzo Striano che ha deciso di avere una donna come protagonista, Eleonora De Fonseca Pimentel, di affiancarle un’altra donna, la sua serva Graziella, e di costruire tra le due un rapporto molto profondo. Al di là del genere a cui apparteniamo c’è quindi una questione culturale. Sia gli uomini che le donne sono visti e raccontati secondo dei modelli stereotipati che possono essere superati tanto dalle donne quanto dagli uomini. Condivido la riflessione di Emma Watson nel suo discorso alle Nazioni Unite quando dice che sia gli uomini che le donne devono sentirsi liberi di essere sensibili. Sia gli uomini che le donne devono sentirsi liberi di essere forti: è tempo di pensare al genere come uno spettro di elementi e non come due insiemi di valori opposti e unici, né semplicemente complementari.

Per gran parte della mia vita non ho sentito il bisogno di riflettere su questi argomenti e il mio approccio con le femministe è sempre stato di gratitudine ma di molta distanza, e probabilmente anche un po’ di ignoranza devo ammettere. Questo mio disinteresse derivava sicuramente dal fatto che venivo da una famiglia in cui il timone era sempre stato nelle mani di mia madre e mio padre era sempre stato in armonia con questo equilibrio, pur provenendo da una famiglia pugliese che invece aveva forte il sentimento della continuazione della propria discendenza attraverso i figli maschi. Essendo mio fratello l’unico maschio della famiglia paterna, probabilmente è stato lui ad assimilare il carico di questa attenzione e aspettativa. Le cose per me sono cambiate quando a quarant’anni ho perso i miei genitori. E’ stato quello il momento in cui ho vissuto sulla mia pelle una condizione di non riconoscimento della mia parità: non solo mio fratello ha mal digerito l’idea di un’eredità paritaria, ma avrebbe voluto almeno essere lui a gestire tutto ed elargire a me quello di cui avessi avuto bisogno, senza farmi di certo mancare nulla ma creando di fatto un rapporto di dipendenza. La mia richiesta di responsabilità e autonomina nella gestione dei miei beni ha creato un grande conflitto tra noi due e portato ad entrambi molta sofferenza allontanandoci in maniera irreversibile. Ho raccontato questo per raccontare quanto la nostra percezione culturale dei cliché maschili e femminili influisca sulla realtà concreta delle nostre vite. Per questo motivo il nostro mestiere che è quello della narrazione ha la responsabilità e il compito di suggerire dei modelli alternativi che ci liberino da ruoli che ci obbligano – uomini e donne – a comportamenti coatti che a volte vanno contro il nostro stesso senso di cosa è giusto. Solo diventando veramente liberi il nostro genere può diventare un arricchimento e una particolarità della nostra persona, sia questo maschile o femminile.

Tornando alla meritevole ricerca condotta da EWA con il supporto del Mibac, è evidente che un problema c’è. Basti pensare che l’88% del budget dei finanziamenti dello stesso Ministero è destinato a opere di autori uomini e solo il restante 12% ai film delle donne. Anche la Rai non si distanzia da questa statistica. E’ chiaro che tutto questo mette in evidenza una disuguaglianza di genere che ritroviamo anche nei compensi e che troviamo in tutti i Paesi del mondo. Ricordiamo ad esempio le battaglie delle attrici hollywoodiane degli ultimi anni, da Patricia Arquette, a Meryl Streep e Jennifer Lawrence.

Ma l’aspetto che mi interessa di più è quello culturale della narrazione: credo che il compito e la responsabilità di tutti noi autori sia di raccontare storie che in qualche modo possano incidere sulla nostra realtà e talvolta anche anticiparla. E’ evidente quindi che la mancanza – o comunque la carenza – di narrazioni e sguardi femminili rappresenta un impoverimento di questa visione, un’incompletezza nel nostro panorama culturale. E ad onor del vero a volte sono le stesse donne che non aiutate dal famoso modello culturale a cui sottostanno preferiscono dedicarsi a ruoli di minor responsabilità all’interno delle filiera del cinema, come ci dice anche la ricerca di EWA.

Pur essendo fondamentalmente contraria al sistema delle “quote rosa” sono convinta che tanto nella società quanto nella cultura è necessaria una rappresentatività paritaria che non è ancora evidentemente raggiunta.

A proposito di rappresentatività paritaria, vorrei tornare al film partecipato, un’esperienza un po’ atipica anche rispetto al quadro generale riguardante la creatività. Oltre a essere stato ideato da me che sono evidentemente di genere femminile ed essere realizzato da marechiarofilm che è composta da tutte donne, per quanto riguarda l’ultimo progetto OGGI INSIEME DOMANI ANCHE film partecipato il 60% degli autori che ne hanno fatto parte sono registe.

Diciamo quindi che abbiamo il problema opposto, siamo alla ricerca delle nostre “quote azzurre” perché quello che ci preme è raccontare la realtà nella sua complessità e pluralità di sguardi e punti di vista in una narrazione democratica e paritaria.

Concludo dicendo che molti passi avanti sono stati fatti. Vorrei sottolineare come quest’anno qui al festival di Venezia la presenza di autrici donne è di circa il 40% del totale degli autori italiani nelle 4 principali sezioni. Il dato più sorprendente viene dalla selezione della Settimana della Critica dove abbiamo una presenza di registe donne più alta dei colleghi uomini.

Ringrazio di cuore Agnese Fontana e Cinzia Masòtina perché questa mia partecipazione mi ha dato l’opportunità di riflettere su quanto sia importante un’armonia e una partecipazione culturale di tutti i generi, maschili, femminili e di tutte le varie altre declinazioni possibili. Mi auguro che in un futuro prossimo non sarà più necessario ritrovarci insieme come accade oggi perché grazie ai passi che stiamo compiendo quello di cui abbiamo parlato si sarà realizzato pienamente.
Antonietta De Lillo

Potete guardare il video dell’incontro sulla nostra pagina facebook: Marechiarofilm Produzioni

Omaggio della Cineteca Nazionale a Antonietta De Lillo

 

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Viaggio in Italia. Il cinema di Antonietta De Lillo
Se esiste un termine cinefilo capace di racchiudere – senza però imprigionare! – il cinema di Antonietta De Lillo, è sicuramente quello rosselliniano. L’intero corpus filmografico è infatti accomunato dall’inseguire, attraverso una padronanza e una multidisciplinarità di linguaggi, «lo splendore del vero». Ogni suo progetto (dai film partecipati ai ritratti, non solo cinematografici, dai documentari neo-neorealisti al cinema di finzione, e in tal senso risulta indimenticabile Il resto di niente per quella sobria messa in scena che non può non alludere a La presa del potere da parte di Luigi XIV) è una sorta di viaggio in questo paese mancato chiamato Italia. Un viaggio nella memoria attraverso le immagini e le parole di chi tenta di «fermare una cosa che sta scomparendo», citando le parole del protagonista del primo videoritratto, Angelo Novi fotografo di scena (1992), comunicandoci al contempo, come scrive giustamente Daniela Brogi, non solo la passione per la propria professione, ma anche una «chiave di lettura per la speciale attenzione al linguaggio e alle sperimentazioni del cinema documentario che attraversa l’intera opera di De Lillo, sin dai primi lavori (compreso il film Matilda, del 1990, così attento a un’ambientazione napoletana borghese, anziché popolare, e perciò fuori clichés)». Fermare la realtà, dunque, per esorcizzarne la morte sia per l’oggetto ripreso (uomo o cosa, la De Lillo non opera un classismo antropologico), sia per chi riprende. Filmare dunque non tanto per esistere, ma per documentare un’etica dello sguardo, che si affida al nostro soggettivo verosimile.

La retrospettiva è stata curata dalla Cineteca Nazionale in collaborazione con marechiarofilm

 

mercoledì 16 – Per una controstoria del cinema

ore 19.00 Peter Del Monte di Antonietta De Lillo (2002, 18’)

Ritratto di Peter Del Monte, uno dei registi più introversi del cinema italiano degli anni Settanta, autore sensibile, portatore di un cinema di ricerca linguistica fatto di sentimenti impercettibili e profondi, intervistato da Antonietta De Lillo. La conversazione tra i due registi, Del Monte e De Lillo, diventa una riflessione sul cinema, sul modo di farlo, di pensarlo, di viverlo.

ore 19.20 Angelo Novi fotografo di scena di Antonietta De Lillo e Giorgio Magliulo (1992, 25’)

Il film è un viaggio nella memoria del nostro cinema, dal dopoguerra alla fine del Novecento. Le fotografie di Angelo Novi, scattate sui set di Pasolini, Rossellini, Leone e Bertolucci, sono commentate dal sonoro originale dei film e dallo stesso fotografo, che descrive l’attimo preciso del suo scatto. Attraverso i suoi racconti ricchi di aneddoti ed emozioni conosciamo uno dei più importanti testimoni del cinema italiano. Intervista a cura di Marcello Garofalo.

ore 19.45 La notte americana del dottor Lucio Fulci di Antonietta De Lillo (1994, 30’)  

Un documento/testamento del grande Lucio Fulci, maestro del B-movie, le cui opere hanno ispirato registi di fama mondiale come Quentin Tarantino. Lucio Fulci ci regala una lunga riflessione che affascina per sincerità, ironia e lucidità, sul suo fare cinema e sulla sua eccentrica carriera. Intervista a cura di Marcello Garofalo.

ore 20.30 Introduzione di Stefano Rulli

Incontro moderato da Marcello Garofalo con Antonietta De Lillo 

ore 21.30 O’ Cinema di Antonietta De Lillo (1999, 13’)

La passeggiata di un ragazzino napoletano attraverso le vie della sua città. Il suo sguardo curioso si posa sia sulle persone sia sulle cose e le trasfigura, portandoci nel mondo dell’immaginazione, ora personale, ora cinematografica. Suggestioni sonore, visive e spezzoni di vecchi film si fondono in questo viaggio nel cuore di Napoli. L’unione tra realtà e fantasia è il pretesto per ricomporre i frammenti della storia di una città e del suo meraviglioso cinema.

ore 21.45 Pianeta Tonino di Antonietta De Lillo (2002, 50’)

Ritratto di Tonino Guerra, uno tra i più importanti sceneggiatori italiani, autore per registi di grande fama come Fellini, Tarkovskij, Antonioni, i Taviani, Michalkov. Il documentario ripercorre la sua carriera di sceneggiatore e mostra la sua vita quotidiana a Pennabilli. In questo piccolo paese del riminese Tonino Guerra è riuscito a costruire un mondo a sua immagine e somiglianza, attraverso la realizzazione di una serie di opere-segni che esprimono indomita vitalità e creatività: fontane, targhe sulle strade, giardini “pensanti”. L’incontro con un uomo che possiede un’enorme forza vitale, attraverso la quale ricostruisce le sue “favole” per sconfiggere la noia e la prevedibilità della vita quotidiana: «Alla mia età non mi piace quasi più niente non solo di me, ma anche degli altri. Ho voglia di robe più sporche, più sbagliate, più interrotte. Mentre parlo con lei, sta passando un cammello, ecco… vorrei che fosse così» (Tonino Guerra). Il documentario è prodotto da SNC Produzioni – Fondazione Scuola Nazionale di Cinema.

 

giovedì 17 – Il resto della vita

ore 17.00 Operai di Antonietta De Lillo (1996, 53’)

Film di montaggio sul movimento operaio prodotto dall’Archivio del Movimento Operaio e Democratico “Diari del ’900”. Uno straordinario found footage dalla parte degli ultimi.

ore 18.00 Il pranzo di Natale – film partecipato (2011, 50’)

Il pranzo di Natale, sperimentando la commistione di linguaggi diversi, riunisce immagini amatoriali e video realizzati da professionisti; è un remix di sorgenti molteplici ed eterogenee che insieme formano un racconto unitario, grazie a un montaggio che procede seguendo una linea di associazioni che di volta in volta cambiano, privilegiando in alcuni casi legami musicali, in altri cronologici, spesso emotivi. Le immagini così si susseguono, con una tessitura aperta tra il racconto lineare di un rito collettivo e l’associazione di storie e frammenti che interagiscono o si contrappongono tra loro, mostrando immagini attuali accostate a immagini del passato, vecchi filmini di famiglia affiancati ai video dei Natali presenti. L’attrice Piera Degli Esposti, in un ruolo deliberatamente in bilico tra persona e personaggio, evidenzia i momenti peculiari del racconto e ne scandisce il tempo.

ore 18.50 Let’s Go di Antonietta De Lillo (2014, 54’)

La storia di Luca Musella, fotografo, operatore, scrittore, oggi esodato professionalmente ed emotivamente. Il protagonista ripercorre la propria vita in un testo-lettera da lui scritto e in un viaggio reale e ideale attraverso l’Italia, da Napoli, sua città natale, a Milano, il luogo della sua nuova esistenza. Le immagini e le parole si confrontano continuamente con il testo della lettera, in un linguaggio in bilico tra l’immediatezza del racconto e la riflessione della parola scritta. Luca Musella, insieme alle persone che popolano il suo mondo, diventa portavoce di una condizione universale, specchio del nostro Paese nell’era della crisi, ma soprattutto emblema di una sensibilità letteraria in grado di leggere al di là del reale per suggerire possibili antidoti.

ore 20.00 Incontro moderato da Angela Prudenzi con Antonietta De Lillo

ore 21.00 Il resto di niente di Antonietta De Lillo (2004, 98’)                                            

La nobildonna portoghese Eleonora Pimentel Fonseca, la voce della rivoluzione partenopea del 1799, insieme ad altri giovani aristocratici napoletani, si batte per gli ideali di uguaglianza, libertà e fraternità. Ben presto però la lama della restaurazione si abbatte sui fondatori dell’effimera Repubblica: il loro sogno divenuto realtà si frantuma in mille pezzi, e non resta nulla … “il resto di niente”. Il film sceglie di raccontare le vicende umane e politiche della Napoli di fine ’700 attraverso le poche ore che precedono la morte di Eleonora, mettendo la macchina da presa al centro della sua anima, per registrare dolori, speranze e passioni di un’intera esistenza. Si compone così, attraverso il filo della memoria, il ritratto di una donna moderna, coraggiosa e libera. David di Donatello a Daniela Ciancio, come miglior costumista.

ore 22.40 Backstage de Il resto di niente di Antonietta De Lillo (2004, 30’)

Diario del set realizzato da Luca Musella di quel caleidoscopio d’immagini, di corpi, di storie e di luoghi chiamato Il resto di niente. Forse lo zenith artistico dell’autrice per quanto concerne una personalissima Weltanschauung del mondo dei perdenti. «La rivoluzione napoletana della fine ’700 non è una rivoluzione perché già perdente sin  dall’inizio», spiega la regista sul set, offrendoci un’ulteriore chiave di lettura del film. Le interviste ad Antonietta De Lillo e a Maria de Medeiros sono a cura di Marcello Garofalo.

 

venerdì 18 – Passeggiate napoletane

ore 17.00 Periferie di Napoli di Antonietta De Lillo (2002, 36’)                                       

Una sorta di Viaggio al termine della notte in una Napoli poco vista. Si comincia dalle macerie dell’industria siderurgica di Bagnoli per poi proseguire ai quartieri-dormitorio di Scampia, per terminare ai Quartieri Spagnoli. L’affermazione di un operaio, «non costruiamo niente, stiamo solo rottamando», indica la fine della cultura operaia. La costruzione di edifici di “ballardiana” memoria, e cioè verticali e con finestre simili a dei buchi, indicano la fine di ogni comunicazione, l’annullamento del quartiere, dei cosiddetti bassi napoletani, in cui l’orizzonte del vicino lo si poteva toccare con una mano.

ore 17.40 Viento ’e terra di Antonietta De Lillo (1996, 38’)                                                  

’E Zezi è uno storico gruppo musicale dell’entroterra napoletano, composto prevalentemente dagli operai dell’Alfasud di Pomigliano d’Arco. Attraverso la loro musica, tarantella, tammurriata e fronne, ci parlano del loro mondo, della trasformazione della società, che da agricola è diventata industriale. Una musica che unisce con incredibile vitalità, l’antico al moderno. Una musica viscerale e potente che diventa strumento politico e di lotta sociale.

ore 18.20 O’ sole mio di Antonietta De Lillo (1998, 39’)                                                    

Un racconto che scalfisce i luoghi comuni di una Napoli spesso definita solo come: “sole-pizza-amore”. Il film, attraverso la storia della canzone ’O sole mio dalla nascita nel 1898 alla sua consacrazione, racconta i due volti di Napoli: da una parte quello paradisiaco, luminoso, delle cartoline, dall’altra quello oscuro, misterioso, dei vicoli. Un caleidoscopio fatto di testimonianze che spaziano dall’epoca del muto ai giorni nostri, con le interpretazioni famose di Del Monaco, Elvis Presley, Pavarotti, Sergio Bruni, e quelle occasionali di performers come Paul McCartney e le Spice Girls.

ore 19.00 Maruzzella di Antonietta De Lillo (ep. de I vesuviani, 1997, 18’)          

Maruzzella è un travestito che si aggira come un moderno fantasma dell’opera per i corridoi di un cinema a luci rosse, offrendo prestazioni sessuali molto particolari ai suoi clienti, finché l’incontro con una giovane ragazza, sconsolata spettatrice di film hard, cambierà radicalmente la vita del nostro protagonista.

ore 19.20 Promessi sposi di Antonietta De Lillo (1993, 20’)                                                  

Una testimonianza della forza dell’amore che lega due persone, due “promessi sposi” dei nostri giorni. Il racconto avanza come un thriller, in cui i due protagonisti nascondono un mistero: tracce visive, cicatrici su un braccio, dettagli s’insinuano nella loro storia, fino a svelare l’enigma. Lui prima era una lei. Una metamorfosi contemporanea resa possibile dal loro amore.

 

sabato 19 – L’altro da sé

ore 17.00 Ogni sedia ha il suo rumore di Antonietta De Lillo (1995, 27’)                      

Alda Merini, una delle più importanti poetesse del novecento, si confessa senza inibizioni raccontando la sua sofferta vita. Il ritratto alterna la conversazione con la poetessa ai frammenti delle sue poesie interpretate da Licia Maglietta (tratti dallo spettacolo teatrale Delirio amoroso). L’incontro tra queste due donne e la loro fusione artistica ci restituiscono fragilità e grandezza di una donna travolta dall’eccesso di amore.

ore 17.30 Non è giusto di Antonietta De Lillo (2001, 90’)                                              

Sofia e Valerio, 11 e 12 anni, s’incontrano casualmente, in una Napoli estiva, afosa e semideserta. Entrambi sono affidati ai loro padri, due quarantenni afflitti da ogni genere di problema, sentimentale ed esistenziale, mentre le loro madri sono assenti e lontane, all’infuori di brevi incursioni telefoniche. I due ragazzini si sentono continuamente minacciati dall’instabilità e la confusione delle loro famiglie. “Non è giusto…” si dicono, alleandosi per affrontare insieme il mondo degli adulti, con distacco e ironia. E non averne più paura.

ore 19.00 La pazza della porta accanto di Antonietta De Lillo (2013, 52’)                          

A distanza di quasi vent’anni da Ogni sedia ha il suo rumore Antonietta De Lillo recupera il prezioso materiale “rimasto nel cassetto” della conversazione avuta con Alda Merini nella sua casa milanese nel giugno del 1995. Nasce così La pazza della porta accanto, videoritratto che restituisce integralmente quello straordinario incontro. Alda Merini racconta la propria vita in una narrazione intima e familiare, oscillando continuamente tra pubblico e privato e soffermandosi sui capitoli più significativi della sua esistenza – l’infanzia, la sua femminilità, gli amori, l’esperienza della maternità e il rapporto con i figli, la follia e la sua lucida riflessione sulla poesia e sull’arte. Il volto della poetessa, i dettagli degli occhi, delle mani, del suo corpo, compongono un ritratto dell’artista, senza nascondere le contraddizioni che hanno caratterizzato la vita e le opere di una tra le più importanti e note figure letterarie del secolo scorso. Uno sguardo inedito che con semplicità tenta di restituire la grandezza artistica e umana di Alda Merini.

ore 20.00 Incontro moderato da Fabio Ferzetti con Antonietta De Lillo e Paola Scarnati

ore 21.00 Oggi insieme domani anche – film partecipato (2015, 85’)                        

Oggi insieme domani anche è un mosaico di sguardi, volti, storie raccolte da numerosi autori in giro per l’Italia. Ideato e curato da Antonietta De Lillo, attraverso frammenti di materiali diversi – documentari, inchieste, animazione, immagini di attualità e di repertorio –, compone un ritratto dell’amore ai nostri tempi. Sono la casualità e la normalità delle storie incontrate a permettere di raccontare il più inafferrabile dei sentimenti. Il risultato è un’immagine multiforme, capace di rappresentare la complessità dei nostri rapporti d’amore in questo momento di passaggio, di crisi, di trasformazioni sociali che ci troviamo a vivere.

 

domenica 20 – Le storie che raccontiamo

ore 17.30 Racconti di Vittoria di Antonietta De Lillo (1995, 70’)                                           

Il film si divide in tre episodi nei quali, in modo differente, si combatte contro la morte. Nel primo episodio, dal titolo Pozzi d’amore, il protagonista Enzo Moscato recita una sorta di monologo teatrale. Un lungo racconto, dove si parla della paura per la fine imminente e l’angoscia della separazione da chi si ama. Nel secondo invece, In alto a sinistra, un giovane ripensa al padre scomparso. Ricorda la sofferenza della sua malattia e, proprio in nome di quel ricordo, supera il dolore lacerante che accompagna la sua solitudine. Nell’ultimo episodio, Racconti di Vittoria, è una donna medico, un’oncologa, ad ammalarsi di cancro. E, per una volta dall’interno della malattia, con coraggio e dignità, spingerà i suoi pazienti a lottare per vivere. Il film ha per filo conduttore, il dolore e la morte, visti da tre differenti prospettive: quella teatrale, quella letteraria e quella televisiva. Il film ha lo scopo di esorcizzare la morte nel mito nel primo episodio, di ritualizzarla nel secondo e infine di combatterla, affrontandola di petto, nell’ultimo caso.

ore 19.00 Una casa in bilico di Antonietta De Lillo e Giorgio Magliulo (1986, 80’)        

Giovanni (Luigi Pistilli), un donnaiolo amante della vita, Teo (Riccardo Cucciola), vecchio compagno di scuola e meticoloso collezionista di orologi, e Maria (Marina Vlady), un amore di gioventù, sempre pronta ad aiutare i connazionali emigrati in Italia, ereditano un appartamento in Roma. Questa convivenza casuale, dopo un inizio faticoso, porta nuova energia nella vita di tutti e tre. Ma la morte improvvisa di uno di loro pone i due di fronte a una scelta: cancellare quell’esperienza e rientrare nel grigiore del proprio destino o continuare nel cammino intrapreso verso un futuro insieme.

ore 21.30 Matilda di Antonietta De Lillo e Giorgio Magliulo (1990, 83’)                                

Chi tocca Matilda muore? Dopo la morte misteriosa e accidentale di tre fidanzati, Matilda, ansiosa di sposarsi, pubblica un annuncio matrimoniale. Si presenta il riluttante Torquato che non riuscendo a resistere al suo fascino, ignaro della malasorte toccata ai precedenti fidanzati, si incammina verso un destino che si preannuncia mortale. Il film è una black comedy con finale a sorpresa.