Alias del 30 gennaio 2016 su Il Manifesto

Usa e getta non è un convegno né una rassegna. Piuttosto due giorni di incontri aperti e libere riflessioni su che cos’è il found footage e su come si sono evoluti nel corso del tempo il suo l’utilizzo e la relativa teorizzazione.
Il found footage, nell’accezione comune, indica la trasformazione e la reinterpretazione di qualsiasi tipo di immagine già utilizzata, sia essa stata scoperta casualmente o selezionata, recuperata-riciclata allo scopo di realizzare opere inedite. Nasce come pratica di ri-significazione di immagini preesistenti, talvolta dal sapore satirico e politico, o violento e provocatorio come spesso nel cinema delle avanguardie. Che provenga da archivi o da film hollywoodiani, dagli home movies e dai documentari, dal cinegiornale o dallo spot televisivo, ogni immagine può essere presa, smontata, rimontata e risignificata. L’aspetto che caratterizza il found footage rispetto ai film d’archivio tradizionale è proprio la volontà di ribaltare il valore referenziale dell’immagine originale indirizzando la percezione dello spettatore verso una nuova costruzione di senso.
Questi film ibridi costituiscono territorio di enorme interesse perché pongono una grande questione: che cosa sono le immagini? Si interrogano su dove si colloca il loro tasso di realismo, su cosa significa raccontare attraverso di esse e quali meccanismi permettono di far credere vera o falsa un’immagine e quindi una narrazione.
La rivoluzione tecnologica di questo inizio di millennio ha fatto fiorire una molteplicità di film di found footage spontanei e amatoriali volti alla rielaborazione di immagini tratte da film, telegiornali, archivi, filmini di famiglia o trovate causalmente sulla rete. E allo stesso tempo anche numerosi autori cinematografici hanno iniziato a utilizzare il found footage nelle sue diverse declinazioni per la realizzazione dei propri lavori.
Il concetto di found footage quindi offre interessanti spunti di riflessione sulla natura e il significato dell’immagine in sé e sull’evoluzione del linguaggio cinematografico. La possibilità di rielaborare e mettere le stesse immagini al servizio di più narrazioni mette infatti in discussione il valore di verità e univocità che fino ad oggi hanno portato con sé.
Questo aspetto di alterazione e smascheramento è stato alla base dell’utilizzo del found footage delle origini. Oggi invece che la diffusione del digitale ha portato al decadere del concetto di originale, l’immagine si apre naturalmente a una molteplicità e a una stratificazione di letture e significati. L’uso del found footage diventa così una pratica costante nella nostra vita quotidiana in cui le immagini vengono sistematicamente manipolate per soddisfare necessità comunicative pubbliche e private. Il riflesso che ci viene restituito da questo utilizzo è quello di una realtà frammentata in una moltitudine di micro-verità e punti di vista sempre più spesso sfacciatamente di parte.
Il film partecipato di marechiarofilm, che sarà oggetto di riflessione nella seconda giornata di incontro, nasce proprio dal desiderio di raccontare la realtà che ci circonda attraverso una narrazione collettiva e di contrastare la frammentarietà della nostra percezione attraverso un remix di frammenti di materiali e sguardi di autori diversi. La particolarità del film partecipato è nella sua vocazione di generare lavori di autori diversi destinati da una parte a diventare oggetto di found footage, di rimescolamento e rielaborazione in una narrazione collettiva, e al tempo stesso costruire uno scambio paritario che sappia affiancare e supportare ogni singolo autore e ogni singolo segmento facente parte del progetto.
Attraverso la visione di film, documentari, video arte, materiali reperiti sulla rete, l’incontro con autori che hanno utilizzato in varie forme il found footage, critici che lo hanno teorizzato e analizzato, responsabili dei più importanti archivi nazionali e docenti delle scuole di cinema e delle università, Usa e getta si propone di allargare la sua riflessione su quanto la consapevolezza della potenzialità di rielaborazione soggettiva dell’immagine possa portare a ripensare il linguaggio e le modalità di fare cinema per realizzare opere che siano più rappresentative e adeguate alla realtà che ci circonda.


Si ringraziano per la gentile concessione e per i materiali
Doclab – Virginia Eleuteri Serpieri – Indigo Film – Istituto Luce Cinecittà – Microcinema – Mir Cinematografica – Nicchia Film – Parallelo 41 – Rai Direzione Teche – Teatri uniti
Ufficio stampa
Studio PUNTOeVIRGOLA
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Il Resto di Niente #dieciannidopo
A 10 anni dall’uscita nelle sale de Il Resto di Niente, marechiarofilm in collaborazione con Lo Scrittoio offre al pubblico la possibilità di vedere e rivedere il film sul grande schermo
A Roma – appuntamento al Kino tutti i martedì di dicembre alle 22
A Firenze – giovedì 10 dicembre alle ore 21 al Cinema Cinecittà
A Napoli – la programmazione riprende il 12 gennaio. Ogni martedì alle 16.15 al Cinema La Perla
A Milano – spettacoli settimanali a rotazione al Cinema Beltrade
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A 10 anni dall’uscita nelle sale de Il Resto di Niente, il Coordinamento Festival Cinematografici Campania e marechiarofilm, in collaborazione con il Comune di Napoli – Assessorato alla Cultura e al Turismo e con il patrocinio di Regione Campania, promuovono il PROGETTO IL RESTO DI NIENTE, una serie di eventi ed attività programmati tra la fine del 2015 e durante tutto il 2016. Il progetto presentato il 30 ottobre presso la Sala del Capitolo del Complesso Monumentale di San Domenico Maggiore a Napoli, con la proiezione del film in una serata evento alla presenza della regista, del cast artistico e tecnico e dei rappresentanti istituzionali. “Nel decimo anniversario dell’uscita nelle sale cinematografiche italiane de ‘Il resto di niente’, la città di Napoli festeggia con un evento importante e doveroso la regista Antonietta De Lillo e il cast artistico e tecnico, creatori di un’opera fondamentale, tratta dall’omonimo romanzo di Enzo Striano. – Così dichiara l’Assessore Nino Daniele -. Attraverso la figura di Eleonora Pimentel Fonseca, eroina e martire della Rivoluzione partenopea del 1799, si rievoca una pagina cruciale della storia napoletana. Con la forza delle immagini, che soprattutto il cinema ha il potere di veicolare, si ripropone una lezione di coraggio che, attuale come mai, diventa modello per il rispetto e i diritti universali da portare avanti nel nostro Paese”. Il romanzo di Enzo Striano e l’omonimo film di Antonietta De Lillo offrono un’occasione di riflessione sul sogno di rinnovamento politico e sociale a partire dalla figura di Eleonora Pimentel Fonseca e degli altri protagonisti della Repubblica Partenopea del 1799. Una lezione di valore morale e coscienza civica da non disperdere e da assumere a modello per le sue ripercussioni sul nostro presente. Da qui è nato il desiderio di offrire un nuovo cammino a Il Resto di Niente con il Progetto. “Ho sempre sperato in un nuovo percorso per Il Resto di Niente e a volte i desideri si realizzano. Grazie al Coordinamento Festival Cinematografici Campania, al Comune di Napoli, alla Regione Campania e alle tante altre realtà pubbliche e private che si sono unite durante il cammino, abbiamo dato vita al PROGETTO IL RESTO DI NIENTE. – sottolinea Antonietta De Lillo -. Mi fa piacere che anche il cast artistico e tecnico del film e la famiglia Striano abbiano risposto con partecipazione e affetto a quest’iniziativa.Insomma, Il Resto di Niente è un film che nasce e appartiene a Napoli ed è giusto che il suo cammino riparta proprio da questa città. Mi piacerebbe poi se questo percorso distributivo atipico potesse rappresentare un modello per offrire al pubblico la possibilità di vedere o rivedere sul grande schermo non solo il mio ma anche tanti altri film”. Il Progetto si articola nelle seguenti attività: A SCUOLA CON IL RESTO DI NIENTE: in collaborazione con Oscar Mondadori e l’Ufficio Scolastico Regionale per la Campania, un’occasione per riflettere con gli studenti delle scuole medie e superiori della Regione Campania attraverso incontri e attività didattiche sul libro e sul film; IL RESTO DI NIENTE AL CINEMA: marechiarofilm in collaborazione con Lo Scrittoio intende rioffrire al pubblico la possibilità di vedere il film sul grande schermo, in occasione del decennale dell’uscita in sala, a partire dal CineTeatro La Perla di Napoli, dal Kino di Roma e dal Cinema Beltrade di Milano, per tutto il 2016 e per un giorno alla settimana;LEZIONI DI CINEMA CON IL RESTO DI NIENTE: incontri aperti all’Accademia di Belle Arti di Napoli con le figure artistiche che hanno collaborato alla realizzazione del film Il Resto di Niente: la regista Antonietta De Lillo, alcuni degli interpreti principali, lo sceneggiatore Giuseppe Rocca, il direttore della fotografia Cesare Accetta, il montatore Giogiò Franchini, il compositore Daniele Sepe, la costumista Daniela Ciancio, fino a un omaggio alla collaborazione speciale di Oreste Zevola, autore dei disegni del film; I LUOGHI DE IL RESTO DI NIENTE: in collaborazione con la Film Commission Regione Campania un ciclo di tour nei luoghi che sono stati set del film di Antonietta De Lillo, interamente girato in ambienti dal vero, alcuni storicamente simbolo della Repubblica Napoletana del 1799 come Castel Sant’Elmo e la Reggia di Caserta, altri luoghi di grande fascino quali la Piscina Mirabilis o il Tempio di Mercurio oltre alla Reggia di Portici e ai palazzi del centro storico di Napoli. Il progetto è realizzato da Coordinamento Festival Cinematografici Campania e marechiarofilm in collaborazione con il Comune di Napoli – Assessorato alla Cultura e al Turismo e con il patrocinio di Regione Campania, in collaborazione con Stilelibero adv e Lo Scrittoio e con Accademia di Belle Arti di Napoli, CineTeatro La Perla Multisala, Film Commission Regione Campania, Fondazione Pol.i.s. Libera, Oscar Mondadori, Ufficio Scolastico Regionale per la Campania. Info: progettoilrestodiniente@gmail.com – Sito web: www.marechiarofilm.it
Luca Musella, fotografo, artista e scrittore, è un esodato. Non solo perché ha perso il lavoro, ma anche e soprattutto perché, perdendolo, è uscito da una vita per entrare in un’altra.
L’Esodo di Luca non è nel deserto del Sinai ma a Milano, la città dove ha scelto di trasferirsi per cercare nuove opportunità e dove invece ha dovuto confrontarsi con una crisi sociale ed economica profondissima.
Come si fa a raccontare il trapasso da una vita borghese, di sinistra, con moglie e figli, una casa, un’attività commerciale e tanti amici, alla perdita completa di tutto questo?
Antonietta De Lillo non ne fa un dilemma intellettuale, ma risponde con l’arte.
Con il suo documentario Let’s go la regista apre una finestra di racconto sull’indicibile della povertà. Senza sovrastrutture ideologiche, né slanci didascalici, la De Lillo si pone in ascolto e ci offre una storia: per poterla accogliere dovremo rinunciare alla commiserazione e al dispiacere, vale a dire a quei dispositivi emotivi che ci permettono di mantenere una distanza tra noi e la condizione disagiata di un altro, che, terminata la parentesi di “filantropia”, resta altro e lontano.
Come davanti a tutte le opere d’arte, ciò a cui si assistiamo qui, invece, è una convocazione: davanti a Let’s go – non a caso il titolo prevede una prima persona plurale, un “noi” – siamo tutti convocati a partecipare di una storia che ci riguarda profondamente.
Antonietta De Lillo riesce infatti a fare un film corale partendo da una vicenda molto personale, raccontando il privatissimo nel collettivo e il collettivo nel privatissimo.
La voce di Luca Musella e quella dell’attore Roberto De Francesco – che nel film si mischiano a sovrappongono a formare un unico “io”- rappresentano una voce “altra”, che proviene dal territorio del margine, ma che al tempo stesso tocca e rivela il centro denso e profondissimo delle nostre esistenze.
A tal proposito, vale la pena di fermarsi a riflettere sulla scelta della canzone con cui la regista chiude il film, ovvero “Saltimbanchi” di Enzo Jannacci.
La scelta è giustissima per diversi motivi, ma io credo, soprattutto perché la voce a cui la De Lillo dà spazio e tempo per parlare è la voce dell’outsider che può dire la verità.
Si tratta per l’appunto del saltimbanco, di quello che gli inglesi chiamano il fool, e che è l’unico all’interno della corte che può permettersi di dire tutto, anche quello che gli altri non vorrebbero mai sentire né sapere di sé. Questo perché il suo è uno statuto particolare: è il buffone del re, è dentro la corte (la società), ma ne è al contempo totalmente estromesso. E’ libero nella sua solitudine, e solo nella sua libertà.
La condizione del fool è molto vicina a quella dell’artista.
Il fotografo Luca Musella concentra dunque in sé l’esperienza dell’emarginazione sociale e la posizione per natura ec-centrica – fuori dal centro – che ogni artista vive. Proprio in virtù del suo non essere al centro, dell’avere cioè una potente visione periferica e laterale, la voce di Luca/Roberto riesce a raccontare esattamente il centro. O meglio ancora, a cogliere nel centro.
La generosità creativa della regista permette a tutto questo di accadere.
Nella Pietà di Crescenzago – un’edicola sacra che s’incontra passeggiando sui Navigli e che è un vero Leitmotiv del documentario – Antonietta De Lillo e il suo film fanno sicuramente la parte della Madonna su cui Cristo è adagiato.
Non è per afflato mistico che lo dico, né per un divertito parallelismo, ma perché il movimento del sollevare e del curare è il movimento di questo documentario.
Sollevare non nel senso cristiano del termine, ma nel senso etimologico: sub-levare.
Perché tirare su, alzare un corpo – che è sacro nella sua totale umanità – è un’opera di leggerezza.
Dovendo attribuire una qualità specifica a questo documentario, calvinianamente parlando, direi che è appunto quella della leggerezza o, come scrive lui, della “levità”.
Con una materia disperata e disperante come questa, dove la solitudine è radicale, l’identità vacilla, dove l’umano è troppo umano, tanto da sfiorare il disumano (e mentre lo sfiora aumenta e amplifica dolorosamente la sua dignità)…un’operazione come quella della De Lillo non era affatto semplice.
Perché si esce dalla visione di questo film carichi e pensierosi, ma allo stesso tempo stranamente leggeri. Colpisce a fondo Let’s go, ma arriva al grave per renderlo lieve. Come in un’operazione di scavo, in cui la bocca della ruspa raggiunge la terra più scura, ma poi la tira fuori, la solleva, la lancia per aria.
Solo la vera arte è capace di questo movimento, di tirare fuori dalle falde acquifere delle esistenze qualcosa che riguardi tutti, indistintamente, perché è, al fine, un discorso sull’umano.
Le mani artistiche ed estremamente femminili di Antonietta De Lillo, sollevano, portano in alto, sostengono, rendono visibile e curano, non so quanto Luca Musella in sé, ma sicuramente tutti i Luca che sono in noi.
E allora forse non è così a sproposito l’immagine molto “pop” che mi si è parata davanti agli occhi dopo aver visto questo film…quella di una Pietà che si anima, dove (un povero) cristo si alza, si rimette in piedi e s’incammina dicendo, a se stesso e a noi, “let’s go ahead”, “andiamo avanti”.
Marìa Zambrano, una grande filosofa spagnola, ha scritto che “la pietà è azione perché è sentire, sentire l’altro come tale, senza schematizzarlo in una astrazione”.
Antonietta De Lillo sente e ci permette di sentire l’alterità fino in fondo, senza il bisogno di spostarla – per angoscia – in un altrove a distanza di sicurezza, ma tenendola vicino.
Mostrandoci, con verità e tocco leggero, che l’altrove è dove siamo anche noi. E che c’è tanta strada da fare, da soli e insieme.
E allora…let’s go, rimettiamoci in cammino.
Sara De Simone

19 agosto 2006
I disegni per Il resto di niente o più esattamente le tempere realizzate per il film Il resto di niente sono state sicuramente il risultato di un’esperienza unica nel mio lavoro di questi ultimi anni.
Ricordo che la prima volta che Antonietta De Lillo e io c’incontrammo per parlarne, ebbi l’impressione che ciascuno di noi due benché provasse stima per il lavoro dell’altro non sapeva assolutamente in che modo questa collaborazione potesse concretizzarsi.Io accettai perché questo progetto mi affascinava molto, avevo anche letto il libro di Striano che mi era piaciuto, ma avevo allo stesso tempo la consapevolezza che sarebbe stata per me un impresa piuttosto rischiosa.Non si trattava di dipingere delle tele per un’esposizione né tantomeno si trattava di illustrare un testo. La mia sola esperienza in tal senso si limitava a un breve cortometraggio di disegni animati realizzato qualche anno addietro per un’agenzia di comunicazione francese; ma in quel caso i miei disegni non dovevano dialogare con attori in carne e ossa che per di più recitavano in un contesto storico ben preciso e scenograficamente inappuntabile. Nel concreto i miei interventi dovevano integrarsi al girato in una sorta di “descrizione” altra di luoghi e paesaggi temporali che la narrazione del film richiedeva. I punti fondamentali, per me, su cui riflettere erano due:il primo era che il mio è uno stile piuttosto riconoscibile e che anche volendo non avrei potuto troppo piegare alle esigenze di una descrizione classica, il secondo è che un film richiede una leggibilità “sicura”, il pubblico non è necessariamente un frequentatore di gallerie d’arte e dunque le immagini anche se con un evidente taglio d’autore, devono essere semplici e chiare.
Passai le settimane successive a guardare tutto il possibile pubblicato che riguardasse l’iconografia del tempo: dipinti, architetture, stoffe, oggetti, acconciature. Volevo che i miei dipinti fossero il frutto di una “digestione” di tutto quel mondo complesso che i miei libri mi aiutavano a evocare. Molto spesso il particolare di una decorazione o anche una breve frase riescono a diventare catalizzatori di un processo creativo che è in grado di fondere assieme un mondo fantastico che è quello proprio di ogni artista a un soggetto reale, nel mio caso, la Rivoluzione Napoletana del 1799 e la storia di Eleonora Pimentel Fonseca.
Dopo la prima, incontrai Antonietta ancora molte altre volte e a ogni incontro mi sembrava ci si avvicinasse di più alla soluzione; finché un giorno dipinsi un ritratto simbolico di Eleonora, una donna a figura intera con il viso appena accennato sormontato da un Vesuvio-cappello, l’ampia gonna decorata con l’immagine di un vecchio battello che sembrava trasformarsi per incanto in una vera imbarcazione che si staccava dall’indumento.
Antonietta appena lo vide ne fu entusiasta, per lei era proprio Eleonora, e per me quell’entusiasmo fu il segnale che mi fece capire come procedere.

Le immagini che avrei dipinto sarebbero state quelle di un mio “Settecento” e quest’elaborazione che la regista sembrava apprezzare, anziché complicare, avrebbe aggiunto al film una poetica diversa in grado di integrarsi con quella propria del lungometraggio.
Iniziò dunque il lavoro vero e proprio e il materiale prodotto fu così copioso che mi permise dopo l’uscita del film di presentarlo in un’esposizione personale alla galleria ” Antonia Jannone” di Milano. Ricordo le sere e molto spesso, le notti estive che precedettero il montaggio del film trascorse davanti ai computer negli studi di postproduzione assieme ad Antonietta che anche in quell’occasione dimostrò una determinazione straordinaria nel voler portare a buon fine la sua opera. Solo qualche giorno prima della presentazione a Venezia, in una piccola sala di Cinecittà, assieme al mio amico Cesare Accetta, direttore della fotografia, potei vedere il film completo e dunque il risultato del mio lavoro nel suo contesto finale. L’emozione fu grande e finalmente quel lavoro mi sembrò positivamente concluso. Sono molto grato ad Antonietta per avermi offerto quest’opportunità che mi ha fatto scoprire nuove possibilità d’espressione e ritengo di doverla ringraziare per la bravura e la competenza con la quale ha saputo integrare i miei disegni al suo film. Spero che prima o poi quest’avvenuta si possa ripetere.
Oreste Zevola
Dal film di Antonietta De Lillo IL RESTO DI NIENTE:
la mostra fotografica di Oreste Zevola “Il mio Settecento”
Goffredo Fofi
Roma, 25 ottobre 2004
È il gioco delle mutazioni e della presa di distanza dalla morte. Le immagini pensate da Oreste Zevola per “Il resto di niente”, più che gli altri, splendidi lavori recenti, hanno un pieno sapore di Settecento, sembrano arrivarci da un’Epinal napoletana e anche da prima. Sembrano esigere la musica – l’opera buffa e anche Handel e Mozart – ma con ritmiche interruzioni di spari (di botti) e sottofondi distanti e per niente minacciosi di esplosioni ed eruzioni. Dame e Sirene, Piovre e Santi, Navi e Carriole. E Teschi, e Bombarde. Le piante, i fiori, gli alberi, crescono invece dentro le persone o ne ornano sontuosamente e allegramente le vesti. Figure compiute che hanno trovato la loro definizione, non mutanti, sono solo alcuni animali appartenenti stavolta al regno marino, al mondo delle acque che sono, loro sì, mobili e mutanti; e le Signore della storia, gli Alti Prelati, i Soldati nell’esercizio delle loro Funzioni – circondati come di dovere da piccoli teschi che ruotano, che sembrano danzare…
Più che mai, Zevola si pasce di favoloso e di mitico con leggerezza e assenza di presunzione, bensì cercando un equilibrio, per quanto transitorio. Sembra libero da piani e programmi e però contento se trova un ordine, se riesce a fissare un movimento e se arriva a dettar condizioni ai venti delle sue interne, inesauribili suggestioni. Anche i piccoli teschi giocano, come gli angeli fatti di teste e ali del canone cattolico che svolazzano nei paradisiaci quadri di più secoli. Non c’è tragedia, non c’è pathos, non ci sono ricatti in queste immagini e in tutta l’opera di Zevola, ma c’è la tenera malinconia di un girotondo di forme che possono fermarsi solo provvisoriamente, e di colori che non provocano, non s’impongono, non si mischiano. Un mondo intermedio, dove l’eccesso è vietato. Quanto alla Storia, essa è un posto ormai lontano, ora gli spiriti dei morti si sono messi tranquilli e hanno fatto pace, alla Storia ci giocano, o giocano alla Guerra, come bambini.
Sono tornati a quell’inframondo da cui sono stati cacciati (o hanno voluto sortire per esplorare e provare) onde agire e soffrire
dentro il Mondo. Oltre la musica, se un rimando alla letteratura bisogna farlo, sarà al “Cardillo addolorato” della Ortese, proprio per quel suo stare – del cardillo – tra Storia e Fiaba, dentro un balletto dolente; e anche il Cardillo è figura in continua mutazione, da umana a animale a umana, e più che naturale, non sovrannaturale, anche se Oreste non sembra raccogliere di Ortese la lezione del dolore, e il suo è un modo di oltre (prima/dopo/in mezzo/altrove) che non ha voluto entrare nella Storia o
ne è fuggito per ritornare nel gioco, e lì fermarsi, lì dove l’umano si confonde con l’animale, con il vegetale e con il meccanico nella dolce nevrosi del rifiuto della coscienza e dei suoi doveri, dopo averne patito i costi.
Limbo di grazia (un nonsenso!), tenui presenze, figure vaganti, spiriti che sembrano manifestarsi dentro grandi stanze di palazzi deserti con la luna che entra furtiva dalle immense finestre, per ricordarci forse la vanità delle nostre ossessioni, e forse anche della nostra sete di giustizia, di vittoria in terra. La libertà è la loro, sta nel loro scherzo privo di solennità? “È uno scherzo, è uno scherzo, è tutto uno scherzo”, ricordava al piccolo Useppe, nella “Storia” di Elsa Morante, un altro uccellino, sull’albero di una foresta che sembrava magica, ai margini di un fiume che sembrava favoloso.
Ecco una selezione dei primi scatti arrivati per il nostro contest fotografico #scattodamore
“E ti vengo a cercare perché sto bene con te”.
#scattodamore di Francesco Brizzi

Un cane non se ne fa niente di macchine costose, case grandi o vestiti firmati. Un bastone marcio per lui è sufficiente, a un cane non importa se sei ricco o povero, brillante o imbranato, intelligente o stupido, se gli dai il tuo cuore lui ti darà il suo.
Io & Marley
#scattodamore di Cecilia Tosi!

“Mi piacciono le ragazze con le doppie punte, le macchine senza le multe.
Mi piacciono quei lavori in cui si suda tanto, mi piace anche la pausa pranzo.
Mi piacciono le risate e le stelle filanti, i piedi nudi in mezzo ai campi
Ma su tutto e su tutti, a me piace lei, lei piace a me”. (Dente)
#scattodamore di Alessia e Chiara.
Oltre la distanza, chiudendo gli occhi i nostri corpi si percepiscono, si vivono, si sentono, non è immaginazione, è viversi con la mente, è intraprendere un viaggio che non tutti possono capire, comprendere e vivere. Socchiudi gli occhi, il prossimo viaggio è li ad attenderci, sento già il sapore delle tue labbra, non è un sogno è la realtà dei nostri cuori e della nostra anima…
#scattodamore di Mattia e Alessia!
Je ris merveilleusement avec toi, voilà la chance unique.”
René Char
#scattodamore di Silvia Piccone.
“Triumph of Love in New York City”, Ph. By Marcello Garofalo, November 2012.
P.s. l’ anima gemella non è solo una metafora, esiste davvero e questo #scattodamore ne è la prova.
E ti vengo a cercare perché sto bene con te…
#scattodamore di Valeria Tomasulo.
Amore, quando ti diranno che t’ho dimenticata, e anche se sarò io a dirlo, quando io te lo dirò, non credermi.
Pablo Neruda
Prendi gli effetti benefici della silvoterapia, uniscili a quelli di un abbraccio e ne verrà fuori lo #scattodamore di Angelo De Masi.
Su molte cose non erano d’accordo, anzi di rado erano d’accordo su qualche cosa. Era un litigio continuo, una sfida continua ogni giorno. Ma nonostante il loro essere così diversi, una cosa importante avevano in comune: erano pazzi l’uno dell’altra.”
“Baci rubati in bici”, lo #scattodamore di Francesca Fedeli.
“…e per questo bambina tu mi piaci,
e dico “Ba-ba-baciami così..
Il tuo bacio è come un rock,
che ti morde col suo swing.”
(Adriano Celentano – Il tuo bacio è come un rock)
#scattodamore di Valeria Tomasulo
– Si può trovare l’amore in un piccolo cestino?
– Sì, basta mettercelo.
#scattodamore da un tempo e da un posto lontani.
Metti un’italiana e uno spagnolo a Bruxelles ed è subito #scattodamore in fotosequenza! Grazie a Irene Parmeggiani.
Che me lo dai un bacio??
Grazie a Blue eyes per questo tenero #scattodamore !
“Mia nonna ha oltre ottant’anni e non ha bisogno di essere accompagnata a prendere quello che le serve. Va direttamente al bar da sola.”
HENRY YOUNGMAN
#scattodamore di Silvia Pognante!
Grazie a Irene Parmeggiani per questo #scattodamore rubato ad Amsterdam nel 2013.
COME PARTECIPARE
Inviate le vostre foto entro il 15 ottobre all’indirizzo scattodamore@marechiarofilm.it
Oppure twittate e postate su Istangram o Facebook #scattodamore @La27ora e @marechiarofilm.
BIOGRAFILM FESTIVAL DI BOLOGNA
FOUNDFOOTAGE
ALDA MERINI 20 ANNI DOPO
masterclass con Antonietta De Lillo
sabato 7 giugno ore 15, Cinema Lumière, Sala Scorsese
A quasi vent’anni da Ogni sedia ha il suo rumore, ritratto a Alda Merini con Licia Maglietta presentato nel 1995 alla 48° edizione del Festival Internazionale del Film di Locarno, Antonietta De Lillo partendo dallo stesso girato realizza nel 2013 La pazza della porta accanto, presentato alla 31° edizione del Torino Film Festival.
Il primo ritratto si caratterizza per il montaggio serrato ed esplosivo tra la conversazione con la poetessa e la performance teatrale di Licia Maglietta, mentre il secondo, attraverso la sola voce della Merini che diventa più intima, disegna un ritratto della donna e dell’artista in tutta la sua fragile grandezza.
Nell’incontro si parlerà con l’autrice di foundfootage in quanto recupero e riciclaggio di girato già utilizzato o scartato per realizzare nuove storie e nuovi racconti.
I due lavori messi a confronto consentiranno di riflettere sul genere del videoritratto e su come questo sia declinabile in modi diversi pur partendo dallo stesso materiale.
La masterclass sarà l’occasione di parlare della scelta del punto di vista che accompagna non solo la fase di riprese ma l’intero iter di lavorazione del film, compresi montaggio e finalizzazione, e di come l’avvento del cinema digitale avendo scardinato i concetti di originale e duplicato abbia favorito l’affermarsi del foudfootage nella nostra epoca.
La conversazione con Antonietta De Lillo consentirà di parlare di foundfootage anche in relazione alle nuove esperienze di cinema partecipativo di cui l’autrice, insieme alla marechiarofilm, è stata in Italia la pioniera.
La masterclass è organizzata nell’ambito di Biografilm School 2014, progetto di formazione promosso dal festival per offrire ai partecipanti un’esperienza a 360° sul cinema e la comunicazione attraverso attività e incontri con professionisti e registi di fama internazionale. Per informazioni Biografilm School 2014
La partecipazione è aperta anche a tutti i possessori della tessera follower del festival con richiesta di prenotazione all’evento. Per informazioni Tessera Follower 2014
Clip di Ogni sedia ha il suo rumore
Clip di La pazza della porta accanto
tel./fax +39 0677200242
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Non ho scelto deliberatamente di fare questo mestiere, in qualche modo mi sono lasciata trasportare dagli eventi, dalle combinazioni della vita… e mi sono ritrovata a fare forse il più bel lavoro possibile, quello di immaginare mondi diversi, cercando di dar loro una forma e un senso. Il cinema non è la mia vita e non pretende di esserne un surrogato, è solo un mezzo che mi è necessario per tentare di interpretare ciò che mi circonda, ciò che è dentro di me. Il bello di questo lavoro forse è proprio quello di trovare un punto d’incontro tra ciò che è dentro di noi e ciò che fuori.
Antonietta De Lillo
PROGRAMMAZIONE
9 MARZO ore 15:00 sala Auditorium
Maruzzella – episodio del film collettivo I Vesuviani (18′)
in replica in free streaming su marechiarofilm.it dalle ore 17 del 10 marzo alle ore 7 dell’11 marzo
Non è giusto (90′)
in replica in free streaming su MYmovieslive! alle ore 21:30
10 MARZO ore 14:30 sala San Marco
Angelo Novi fotografo di scena (25′)
in replica in free streaming su marechiarofilm.it dalle ore 17 dell’11 marzo alle ore 7 del 12 marzo
Racconti di Vittoria (70′)
in replica in free streaming su MYmovieslive! alle ore 21:30
10 MARZO ore 16:15 sala San Marco
‘Osolemio (39′)
in replica in free streaming su marechiarofilm.it dalle ore 17 del 15 marzo alle ore 7 dell’16 marzo
La notte americana del dr. Lucio Fulci (30′)
in replica in free streaming su marechiarofilm.it dalle ore 17 del 12 marzo alle ore 7 dell’13 marzo
11 MARZO ore 14:30 sala San Marco
Promessi Sposi (20′)
in replica in free streaming su marechiarofilm.it dalle ore 17 del 13 marzo alle ore 7 dell’14 marzo
12 MARZO ore 11:15 sala Auditorium
Una casa in bilico (80′)
in replica in free streaming su MYmovieslive! alle ore 21:30
12 MARZO ore 14:30 sala San Marco
Pianeta Tonino – incontro con Tonino Guerra (50′)
Viento ‘e terra (38′)
in replica in free streaming su marechiarofilm.it dalle ore 17 del 14 marzo alle ore 7 dell’15 marzo
13 MARZO ore 14:30 sala San Marco
O’ cinema (18′)
in replica in free streaming su marechiarofilm.it dalle ore 17 del 16 marzo alle ore 7 dell’17 marzo
13 MARZO ore 15:15 sala Auditorium
Matilda (82′)
in replica in free streaming su MYmovieslive! alle ore 21:30
14 MARZO ore 14:30 sala San Marco
Il pranzo di Natale – film partecipato (50′)
14 MARZO ore 18:00 sala Auditorium
La pazza della porta accanto (52′)
15 MARZO ore 16:30 sala Auditorium
Il Resto di Niente (103′)
in replica in free streaming su MYmovieslive! alle ore 21:30